Ananda Muylaert, Ambrose Creatives – The Ambrosia Journal – Tanja Hoffmann: Überlegungen zur Farbe als Entität und Spiegel des Selbst | 2026
Die deutsche Künstlerin Tanja Hoffmann erschafft durch ihre Experimente mit Farbe unmögliche Orte auf ihren Leinwänden; Nicht „unmöglich“, weil sie unrealistisch wären, sondern weil sie aus den immateriellen Bausteinen gebaut sind: unser Bewusstsein.
Diese Orte bestehen aus quasi-organischen Formen, die aus sorgfältig aufgetragenen leuchtenden Farben entstehen. Hoffmann betont in ihrer Serie „Zenpolychromos“ die Idee der „Meditation“ und vermittelt einen grundlegenden Aspekt menschlicher Erfahrung – die Verbindung oder deren Fehlen zwischen dem Betrachteten und dem Gesehenen – , indem sie den Betrachter zur Reflexion über seine eigenen Sinneserfahrungen einlädt. Indem sie etwas schafft, das physisch begrenzt ist und sich dennoch auf geheimnisvolle Weise ausdehnt, werden die von Hoffmann gemalten Räume zu unerschöpflichen Quellen tieferen Bewusstseins für das Sein im Raum und das Sein im Inneren.
Wir haben uns mit der Künstlerin unterhalten, um besser zu verstehen, wie sie die innere Präsenz sieht, die sie hervorrufen möchte, und wie diese während ihres kreativen Prozesses entsteht.
Alle Ihre Gemälde zeugen von einer sorgfältigen Gestaltung von Textur und Tiefe. Was hat Sie ursprünglich zur abstrakten Kunst hingezogen, und wie haben Sie die richtige Technik gefunden?
Ausgangspunkt meiner Arbeit war stets die Faszination für Farbe und Licht als eigenständige Phänomene. Die abstrakte Malerei bietet mir die Möglichkeit, mich der Farbe als konzeptuelles Forschungsfeld zu nähern.
Meine Arbeit lässt sich als kontinuierliche Auseinandersetzung mit Farbwahrnehmung, Transparenz und Tiefe verstehen. Die Technik entwickelte sich über viele Jahre durch systematisches Experimentieren. Ein zentrales Element meines Prozesses ist die Rakeltechnik, bei der 30 bis 90 Prozent der Farbe von der Oberfläche abgetragen werden. Zurück bleibt eine extrem dünne Farbschicht, die das Licht nicht blockiert, sondern durchlässt.
Durch die Schichtung entstehen neue Farbwerte, die sich aus der Wechselwirkung einzelner Pigmente und nicht aus deren Zusammensetzung entwickeln. Die Farbe erhält Raum zur Entfaltung, sowohl innerhalb als auch außerhalb der Bildfläche. Die Werke reichen oft über die Bildebene hinaus und schaffen so eine räumlich weite Atmosphäre, die das Gemälde als offenes Feld greift.
Der Prozess wird zusätzlich durch verlängerte Trocknungsphasen beeinflusst. Diese zeitliche Verzögerung ist ein integraler Bestandteil der Arbeit, da sich Farbe, Tonwerte und Transparenz erst durch Ruhe und Zeit stabilisieren.
Dieser Prozess wird stets von einer meditativen Haltung begleitet. Elemente der Zen-Praxis sind fester Bestandteil des Arbeitsumfelds. Sie fördern einen Zustand konzentrierter Präsenz, strukturieren den Arbeitsrhythmus, ohne ihn zu lenken, und es, Farbe und Licht aufmerksam zu ermöglichen, zu begleiten, anstatt sie zu kontrollieren.
Tiefe entsteht in diesem Sinne nicht durch Materialdichte, sondern durch Reduktion, Schichtung und die Wechselwirkung mit Licht.
Sie beschreiben Ihre Arbeit als „Erforschung der Farbe als Energiefeld“. Haben Sie bestimmte kreative Rituale, die Sie befolgen, um diese Energie zu kanalisieren? Was hilft Ihnen, diese Rituale zu erreichen?
Ich beginne meine Arbeit mit Farbtests. Ich wähle bis zu drei Farben aus und erweitere sie durch Mischen, bis sich ihr Farbspektrum vervielfacht. Diese Phase schärft meinen Blick für Nuancen und Übergänge und bildet die Grundlage für die anschließende Arbeit auf der Bildfläche.
Ich arbeite ausschließlich mit natürlichem Licht und niemals unter künstlichem Licht, da Farbwahrnehmung, Transparenz und Tonwerte nur unter diesen Bedingungen zuverlässig beurteilt werden können. Tageslicht wird so zu einem integralen Bestandteil meiner Arbeit und beeinflusst jede Entscheidung.
Der Arbeitsprozess ist geprägt von Wiederholung, Pausen und Achtsamkeit. Auftragen, Entfernen und Warten schaffen einen gleichmäßigen Rhythmus, der die Entscheidungsfindung verlangsamt und die Sensibilität für minimale Farbnuancen schärft. Farbe wird nicht symbolisch betrachtet, sondern als physisches und energetisches Phänomen, das sich im Laufe des Prozesses entfaltet.
Diese Arbeit wird stets von einer meditativen Haltung begleitet, in einer hochkonzentrierten Arbeitsphase, die äußere Reize reduziert und es ermöglicht, Farbe als ein offenes, sich entwickelndes Feld zu erkunden, anstatt sie zu kontrollieren.
Sie erstellen auch Collagen, von denen einige auf diesen Farbfeldhintergründen basieren. Welche Gemeinsamkeiten und Unterschiede sehen Sie zwischen dem Prozess, etwas Figurativen bzw. Etwas Abstraktes zu schaffen?
Sowohl die abstrakte Malerei als auch die Collage in meinen Arbeiten basieren auf dem Prinzip der Schichtung. Die wesentlichen Unterschiede liegen in der Lesbarkeit und in der Art der Inhaltsdarstellung.
Kollagen sind für den Betrachter meist unmittelbar verständlicher. In der nicht-gegenständlichen Malerei hingegen vermeide ich klare Bezüge und öffne stattdessen einen Wahrnehmungsraum, in dem Bedeutung durch Resonanz statt durch Erzählung entsteht.
Die beiden Ansätze ergänzen sich. Während die abstrakten Arbeiten emotionale Zustände verdichten, ermöglicht die Collage eine differenzierte Auseinandersetzung mit komplexen Themen, die sich durch Figuration präziser darstellen lassen. In Kombination erzeugen sie eine gesteigerte Intensität. Diese Verflechtung von Abstraktion und Figuration ist eine Richtung, die ich künftig verstärkt verfolgen möchte.
Die Fragmentierung der Bildsprache in Ihren Collagen zerlegt Bilder, Identitäten und Worte und erschafft ihnen neue Welten. Diese Zerlegung eröffnet viel Raum für Selbstreflexion, angeregt durch die äußere Wahrnehmung. Ihr Zenpolychromos hingegen vermittelt ein starkes Gefühl eines harmonischeren, tieferen Denkraums, der unabhängig von äußeren Einflüssen ist. Wie würden Sie die Emotionen beschreiben, die Ihre abstrakten Werke Ihrer Meinung nach beim Betrachter hervorrufen?
Innerhalb der Zenpolychromos entsteht eine Atmosphäre der Ruhe, Konzentration und inneren Ausrichtung, die unabhängig von äußeren Reizen wirkt. Die Werke eröffnen einen Raum, in dem die Wahrnehmung zur Ruhe kommt und die Aufmerksamkeit nach innen gerichtet wird.
Insbesondere im Dialog miteinander entwickeln die Zenpolychromos einen erfahrbaren Farbraum. Durch ihre kollektive Präsenz entstehen Beziehungen zwischen den einzelnen Farbfeldern, die über das einzelne Bild hinausgehen. Im Gegensatz zu den Collagen wirken die abstrakten Arbeiten weniger konfrontativ. Sie bieten keinen narrativen Zugang, sondern eine offene Struktur, die zum Verweilen einlädt. Emotionen entstehen hier nicht durch Inhalte, sondern durch Farbräume, das Zusammenspiel mit Licht und die zeitliche Tiefe.
Viele Betrachter beschreiben ein Gefühl von Klarheit, innerer Weite oder meditativer Präsenz. Die Werke schaffen einen Raum für Erfahrung und Denken, der nicht auf Selbstanalyse, sondern auf stille Wahrnehmung ausgerichtet ist. In diesem Sinne verstehe ich die Zenpolychromos weniger als Ausdruck eines Zustandes denn als Einladung in einen solchen Zustand.
„In meiner nicht-gegenständlichen Malerei vermeide ich klare Bezüge und öffne stattdessen einen Wahrnehmungsraum, in dem Bedeutung eher durch Resonanz als durch Erzählung entsteht.“
Schließlich sind die Ideen der „inneren Präsenz“, der Introspektion und der Meditation in Ihren Arbeiten sehr präsent. Mich interessiert, wie Ihre innere Verfassung während der Arbeit an einem Werk aussieht und wie sie das Ergebnis beeinflusst. Betrachtet man die Zenpolychromos- Serie als Ganzes, fällt die unglaubliche Vielfalt an Farben und Kompositionen auf; wählen Sie die Farben selbst oder wählen die Farben Sie? Wie würden Sie den Entstehungsprozess Ihrer Kunst beschreiben?
Meine Arbeitsweise ist geprägt von Präsenz und Offenheit. Ich versuche, die Kontrolle loszulassen und Entscheidungen aus der bewussten Auseinandersetzung mit dem Prozess selbst entstehen zu lassen. In diesem Sinne geht es beim Arbeiten weniger um die Ausführung eines vorgegebenen Ergebnisses, sondern vielmehr um das Eintreten in einen sich ständig wandelnden Zustand.
Der Prozess lässt sich mit dem Bild eines Flusses veranschaulichen – eines Flusses, in den man immer wieder einsteigt. Auch wenn die Bewegung vertraut erscheint, ist sie doch nie dieselbe. Jedes Werk entsteht aus neuen Bedingungen, neuen Erfahrungen und veränderten inneren und äußeren Umständen. Diese Offenheit für Wandel prägt grundlegend die Entwicklung des Werkes.
Innerhalb der Serie Zenpolychromos ergibt sich dadurch eine große Bandbreite an Farben und Kompositionen. Die Farben sind nicht im Voraus festgelegt; sie entwickeln sich im Zusammenspiel mit vorhergehenden Farbschichten, Lichtverhältnissen, Trocknungsphasen und der individuellen Wahrnehmung. In diesem Sinne wähle ich die Farben nicht einfach aus – sie entstehen im Laufe des Prozesses. Die Serie ist weniger ein abgeschlossenes System als vielmehr ein fortlaufender Prozess, in dem jedes Werk einen neuen Moment innerhalb desselben Flusses darstellt.
Tanja Hoffmans Einladung, den Rhythmus des Lebens zu verlangsamen und nachzudenken, ist unwiderstehlich, zen-artig und erinnert an Walden. Ihre unendlichen Schichten, das Abkratzen, Trocknen und Einlassen von Licht scheinen perfekt als Analogie zur Entstehung und Entwicklung der unerklärlichen, immateriellen Präsenz zu funktionieren, die wir als das „Ich“ begreifen. Der Blick auf eine Leinwand kann in der Tat eine der eindrucksvollsten Möglichkeiten sein, uns selbst zu erkennen.
Artikel von Ananda Muylaert
Sie lebt und arbeitet in Brüssel als freischaffende Schriftstellerin, multidisziplinäre Künstlerin und Forscherin mit dem Schwerpunkt auf der Phänomenologie der Malerei und japanischer Kunst. Ihr umfangreiches Werk umfasst Kunst, Musik und Poesie. Ihre Kunstwerke und veröffentlichten Forschungsarbeiten zur Phänomenologie, Essays und Gedichte wurden in vier Sprachen auf zwei Kontinenten publiziert.
Ihre künstlerische Praxis – Gemälde, Zeichnungen und Installationen – kreist um die Idee, Rationalität im Animalischen zu suchen (und umgekehrt), um eine Faszination für organische Texturen und um die Beziehung des urbanen Selbst zur Welt um es herum: durch die Überschreitungen und Verlassenheiten der Domestizierung der menschlichen Spezies und insbesondere durch Worte.
Zu ihren bisherigen beruflichen Erfahrungen zählt eine Tätigkeit im historischen Bundeskulturzentrum Paço Imperial in Rio de Janeiro, Brasilien, wo sie eng mit renommierten Institutionen wie dem Goethe-Institut, dem Instituto Moreira Salles und den Botschaften von Frankreich, Japan und China zusammenarbeitete.
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